Rear Window (1954)

LA VENTANA INDISCRETA

Soberanía del ojo e inquisición de la mirada

«El ser “visto-por-otro” es la verdad del “ver-al-otro”».

Jean-Paul Sartre

El ser y la nada

Introducción

    La ventana indiscreta (1954) es un largometraje dirigido por el inglés Alfred Joseph Hitchcock, el cual es reconocido por sus creaciones cinematográficas en los géneros del suspenso y el thriller psicológico. El argumento de esta película gira en torno a un fotógrafo profesional llamado L. B. Jefferies, quien se encuentra confinado en su apartamento debido a la ruptura de su pierna izquierda en un trabajo fotográfico. Así pues, éste se ve obligado a pasar tiempo observando a través de la ventana la vida de sus vecinos, sin embargo, se obsesiona con una de las parejas en particular, ya que sospecha que se ha cometido un asesinato. Junto con Stella (su enfermera) y Lisa (su novia), intentarán descubrir la verdad detrás del misterio, a partir de una serie de conjeturas que irán hilando a lo largo de la cinta.

El otro, el mismo y la mirada

    Se ha dicho que el argumento de la película se circunscribe dentro de la investigación-conjetura de un presunto asesinato, sin embargo, dicho argumento guarda debajo de sí una discusión de corte filosófico, a saber, el papel de la otredad y su mirada.  Mirada que constituye el vínculo posible entre lo mismo y lo diferente, un vínculo que es activo porque inquiere y responsabiliza. Dicho en otras palabras, el otro siempre me viene al encuentro y siempre debo responderle, bien sea que lo rechace o que lo acepte no puedo eludir su presencia, es más, eludirlo es también ser consciente de que lo eludido es un otro, aunque no lo determine. No hay forma de escapar de la otredad. 

    Lo anterior es la consecuencia que ha tenido que afrontar Jeff hacia el final de la película cuando se ha visto atrapado por la mirada del otro, en este caso, la mirada de Lars Thorwald (el presunto asesino). Aquél había gozado de la soberanía del ojo, de poder ver a los demás sin ser visto, es decir, sin ser sometido al escrutinio de la mirada de la otredad. De hecho, la distribución escenográfica pone de relieve cómo dicha soberanía adquiere su poder, pues la ubicación del apartamento de Jeff es central dentro del vecindario, lo que le permite tener un visión panorámica y, en consecuencia, de conjunto. Él veía sin ser visto, y aunque la descripción anterior podría llevarnos a pensar en el panóptico elaborado por Bentham y trabajado por Foucault, esta soberanía del ojo no disciplina los cuerpos, más aún, los vecinos ni siquiera sabían o siquiera pensaban que estaban siendo observados; cosa diferente del panóptico, ya que su funcionamiento depende de que aquellos quienes son observados sean conscientes de lo que están siendo. 

    En este orden de ideas, la misma película ofrece una escena en la que la enfermera cuestiona a Jeff sobre su soberanía: «Ojos enrojecidos de mirar durante horas por esa ventana —afirmó Stella—. Bueno, ¿y qué? —dijo Jeff—. ¿Qué hará si alguno de ellos se da cuenta? —preguntó ella—». Aquí las escenas finales muestran dos cosas: lo que hizo y lo que sintió Jeff frente a la mirada de Thorwald. Para el primer caso, lo que hizo fue «trata[r] de cegarlo con el flash de la cámara, es decir, tratar de destruir su mirada» (Han, 2012, p. 80). Para el segundo caso, lo que sintió fue temor, vulnerabilidad, debilidad, o en palabras de Sartre, sintió: 

… que soy vulnerable, que tengo un cuerpo susceptible de ser herido, que ocupo un lugar y que no puedo en ningún caso evadirme del espacio en el que estoy sin defensa; en suma, que soy visto. Así, la mirada es ante todo un intermediario que remite de mí a mí mismo (Sartre, 1993, p. 287). 

    En resumen, la alteridad predicada a los seres humanos posee el rasgo de que el otro también me identifica como otro. Hay una relación de sujeto-objeto y, paradójicamente, este objeto se vuelve sujeto en el momento que me dirige la mirada, pues «en la revelación y por la revelación de mi ser objeto para otro debo poder captar la presencia de su ser-sujeto» (Sartre, 1993, p. 285). Para este caso se presenta nuevamente una escena en la que Jeff toma consciencia de su soberanía y pone en cuestión si su acción es ética o no: «A pesar de que no me guste darle la razón a Thomas Doyle, creo que sí estaba en lo cierto cuando dijo que lo que ocurre en cualquier hogar es algo muy privado. Me pregunto si es ético eso de vigilar a un hombre con prismáticos o con una cámara con zoom. ¿Crees que es ético aunque consiga comprobar que no cometió el crimen? —le pregunta a Lisa—. Mmm… no sé mucho de ética de ventanas —responde ella—. Claro que pueden hacer lo mismo conmigo: vigilarme como si fuera un bicho enjaulado —concluyó Jeff—». Es precisamente esta escena la que demuestra de manera contundente la diferencia entre el ojo y la mirada, pues el primero prescinde de la otredad, ya que sólo se enfoca en el placer de la mismidad, es decir, del yo; mientras que para la segunda la otredad es imprescindible, debido a que es de esta manera como el otro, en tanto que humano, se me presenta no como un objeto más de la naturaleza, sino como un objeto que se vuelve sujeto cuando me mira. Jeff se cuestiona sobre su relación con los otros, ya que los ve como objetos y les quita su potencialidad de ser sujetos, pues los ve como «bichos enjaulados». 

Consideraciones finales

    Mi percepción de la película ha sido doble a raíz de los tiempos en que la vi. Por un lado, es una película que ya había visto (meses atrás) y que tuvo en mi afecciones del tipo «es una película de suspenso, por lo tanto, es una película cuya trama se irá trabajando de forma lenta hasta llegar al clímax del desenlace». Aquí mi atención no estaba centrada en la búsqueda de relaciones filosóficas, sino que por el contrario, mi deseo iba encaminado a querer saber por qué el presunto asesino podía serlo o no, ya que las pruebas resultaban ser un tanto ambiguas, y no parecían tener mayor carácter que el de una elucubración. Por el otro lado, mi segundo encuentro con la película ya tenía un carácter fijo: relacionarla con un tema filosófico, por lo cual mi percepción no estuvo tan centrada en el argumento de la película, sino más bien en los comportamientos y las formas de relacionamiento entre los actores. Buscando así poner en evidencia el vínculo entre lo mismo y lo diferente.

En consecuencia, mi reflexión acerca del largometraje es la misma que presenté al comienzo del apartado anterior: no podemos evadirnos de la responsabilidad que tenemos con el otro. No podemos huir de la obligación de tener que responder afirmativa o negativamente a los requerimientos de esa alteridad que me interpela vaya donde vaya. De hecho, el final de la película permite definir esto que he dicho antes, pues una vez Jeff se ve confrontado con Thorwald, este le pregunta: «¿Qué quiere de mí? Su amiga podía haberme denunciado, ¿por qué no lo ha hecho? ¿Qué es lo que quiere? ¿Dinero? Yo no tengo dinero. Diga algo. Dígame: ¿qué es lo que quiere? ¿Puede recuperar la alianza? —inquiere Thorwald—. No —responde Jeff—». Pese a que entre el cuestionamiento de uno frente al otro, Jeff no haya respondido inmediatamente, esto no significa que no reconozca que hay alguien frente a él, aunque no lo vea, pues siente su mirada desde la penumbra. Sabe que hay alguien, que hay un otro a la espera de una respuesta. 

Autor: Elkin Ruiz

Bibliografía

Han, B. C. (2017). Mirada. En B. C. Han, La expulsión de lo distinto (págs. 77-84). Barcelona: Herder.

Sartre, J. P. (1993). La mirada. En J. P. Sartre, El ser y la nada (págs. 281-329). Barcelona: Altaya.

Joker

Santiago Samudio Velasquez

Percepción general de la película

Pocas son las películas que pueden dejar un mensaje tan opuesto sobre aspectos positivos que hay sobre la sociedad y que tienen un personaje con el que empatizas no por ser un ejemplo a seguir sino por la ideología que nos enseña. Esta película dejo en mí una perspectiva muy cambiante sobre cómo me veo a mí y a los individuos de una sociedad, como es que en ocasiones existen personas que, aunque no muestre una perspectiva de dolor en sus vidas pueden ocultar los problemas que conllevan ser un individuo correcto para la sociedad. Después de ver la película y escuchar las frases reflexivas que nos deja en ocasiones pensé en la idea general que intentaba resolver, que puede ser: Que pasa cuando un individuo que busca su identidad en el mundo resulta abandonado por una sociedad que debería ayudarlo. Y es que ese parecer ser el mensaje que nos quiere dejar la película desde el principio con escenas como las del comienzo donde el personaje Arthur Fleck es golpeado por jóvenes y dejado en el suelo en un callejón sin que nadie le preste ayuda o cuando es despedido de su trabajo por un malentendido en el hospital solo para volver a ser abucheado y maltratado por 3 jóvenes en el tren. Lo que me impresiona de la película es como a medida que avanzamos vemos la evolución del personaje, pero no causada por el mismo sino también por ver como la ciudad en la que se ven los hechos no parecer haber ningún acto de caridad por Arthur escenas como: La de la psicóloga diciéndole que no le puede prestar más ayuda porque por asuntos de burocracia no le pueden prestar ningún servicio psicológico mientras Arthur le explica que nunca antes ha sentido antes que exista o cuando el personaje de Tomas Wayne lo golpea en el baño después de que Arthur le pide un poco de decencia sobre lo que dice, todo porque su condición mental causa malinterpretaciones a quienes tiene a su alrededor. Tal es el mensaje de la película sobre el abandono de la sociedad que existen dos frases de Artur que nos presenta en la mitad y el principio de la película: “La peor parte de tener una enfermedad mental es que la gente espera que te comportes como si no la tuvieras” y la conclusión final de Arthur al decir: ¿Qué obtienes cuando cruzas a un enfermo mental solitario con una sociedad que lo abandona? La película contiene un mensaje que pone en cuestión nuestra mora y sobre la frágiles que pueden ser los mensajes negativos que pueden causar la falta de con pación.

Vinculación entre el texto sugerido y la película

El joker es una persona que perdió el propósito en su vida y descubre una perspectiva distinta de la misma y a su vez desea lograr un cambio atreves del anarquismo, renunciando así a las reglas y a la cultura general del sentido de la vida.

Joker intenta demostrar que la vida en sí misma no tiene un propósito alguno que todo es un mal chiste. Toda esta ideología inicial es muy parecida a la dotrina filosófica del Nihilismo que enseña Freddy Nietzsche quien consideraba que al final todo se reduce a nada, y por lo tanto nada tiene sentido; rechazando todo principio religioso, moral y gnoseológico. A menudo afirmando que la creencia de que no existe una deidad, puesto que la naturaleza y el universo son diferentes a los valores y el sufrimiento del ser humano, de que no existe un fin último teológico en ausencia de un orden divino todo alrededor de que Dios ha muerto, y que no hay una verdad absoluta.

El motivo por el cual se relacionan las ideas del Joker con esta dotrina filosófica y que si lo vemos desde la perspectiva del joker en la película es que el personaje pierde su propósito en la vida al perder la fe en la sociedad (rechaza como Dios a la sociedad) y al darse cuenta de lo vacía que era su vida, como sus aspiraciones resultan en un momento de la película una farsa creada por su mente, haciendo que se dé cuenta de la tragedia que era su vida (Frase de la película “mi vida es una comedia”). El Propósito de la vida del Joker era su madre y su relación afectiva con su vecina el cual los perdió cayendo en un estado Nihilista sin propósito alguno; igual a las afirmaciones que podemos encontrar de Nietzsche:

“La moral tradicional, dice Nietzsche, se equivoca pues los valores morales no tienen una existencia objetiva, ni como una dimensión de las cosas, ni como realidades que estén más allá de éstas, en un mundo objetivo; los valores los crean las personas, son proyecciones de nuestra subjetividad, de nuestras pasiones, sentimientos e intereses. La moral tradicional creyó también que las leyes morales valen para todos los hombres y que si algo es bueno es bueno para todos. (Vitalismo: Nietzsche, Nadia Valeria Maldini, Pag 3)

Para el Joker las personas se ocultan tras mascaras normas sociales constructos que se van al suelo si sabes cómo provocar el caos. Solo hace falta un mal día para sacar lo peor de ellas (película: Batman The Killing Joke) Pues parta el joker todo se trata de una falsa mascara social, en fondo todos somos animales intrínsecamente malos; un pensamiento que viene de la filosofía moral de Thomas Hobbes “El hombre es el lobo del hombre” (Homo homini lupus) el hombre según Hobbes es competitivo agresivo y corruptible, pero forma sociedades por conveniencia en las cuales reprime sus naturales instintos agresivos haciéndolo malo por naturaleza.

En efecto, cada hombre considera que su compañero debe valorarlo del mismo modo que él se valora a sí mismo. Y en presencia de todos los signos de desprecio o subestimación, procura naturalmente, en la medida en que puede atreverse a ello (lo que entre quienes no reconocen ningún poder común que los sujeto, es suficiente para hacer que se destruyan uno a otro), 'arrancar una mayor estimación de sus contendientes, infligiéndoles algún daño, y de los demás por el ejemplo. (Leviatán, pág. 97, Thomas Hobbes)

El ejemplo final de la filosofía de Hobbes lo podemos ver casi al final de la película, cuando al joker se le critica por decir un chiste de mal gusto para el público, el responde: La comedia es sugestiva ¿No es lo que dicen? ¡Todos ustedes, el sistema que tanto sabe siempre, decide lo que está bien o mal, del mismo modo como deciden lo que es gracioso o no!!! Y es que ocasiones existen actos de violencia justificada, que funciona como un manto de justicia admirada por la gente haciendo en que se decida que está bien y que está mal en un acto incongruente. Con esta reflexión me refiero a una escena en la película que ocurre cuando el joker causa un homicidio en el tren y como acto ciudadano son defendidos las víctimas del tren sin saber que estas causaron el homicidio, por causa de un acto de poca tolerancia con un individuo con enfermedad mental, pero para la sociedad el joker no es una víctima, porque todos solo reconocen los actos ya conocen pero no los que desconocen, y que pasa cuando estos ideales de moral correcta por medio de la decidido de una mayoría se llegan a romperse creando una anarquía sin reglas, tal y como vemos en el final de la película.

Reflexión propia

La película contiene una gran variedad de pensamiento sociales y cuestiones éticas sobre nuestra naturaleza como individuos en una sociedad, no es fácil no sentirse identificado con el personaje del joker en esta película, escenas tan simples como Artur viendo al vidrio del autobús después de un mal día demuestra como en nuestra sociedad se pueden ver reflejados actos de depresión por un mal día de trabajo, algo con lo que la gente común se puede sentir muy identificada al tomar rutinas constante como coger el Transmilenio y el autobús para demostrar la valía que tenemos como sujetos útiles para la sociedad. Y es que todos alguna vez tuvimos un mal día y sentimos un desprecio por la sociedad sintiéndonos vacíos. Cuando se le pregunto al director sobre el tema de la película Todd Philips respondió: “Es sobre la falta de amor, una niñez traumática y la falta de compasión en el mundo” puedo ver reflejada todos estos aspectos tanto en la película como en aspectos comunes de la vida.

Personal mente nunca creí que una película me hiciera explorar este aspecto humano tan a fondo, pienso que pueden existir múltiples opiniones sobre la cuestión filosófica que intenta llevar la película, pero nadie podrá negar el aspecto humanista que para bien o para mal nos puede enseñar. Al final no debemos olvidar que es solo una película que como cualquier aspecto cultural podemos sacar diversas opiniones y que no hay que tomar lo como algo malo o bueno sino como un aprendizaje social que podemos enseñar de diversa forma como he hecho en este trabajo.

El gato con botas: El último deseo (Joel Crawford)

 Andrés Fabian Sánchez Galindo

¿Acaso la creencia de las vidas del gato se parece a lo que representa la vida de los humanos?

¿Cuál es la duración de la vida del hombre?

 Un punto en el espacio.

¿La sustancia? Variable. ¿Las sensaciones?

 Oscuras. (Marco Aurelio. Meditaciones)

 

I.                    Representación de la historia

     El gato con botas es una película animada que parece estar destinada para niños, más que para adultos. Sin embargo, esta película parece estar destinada a cualquier persona, pues el tema central de esta nueva aventura es el desperdicio del tiempo, es decir, de la mala utilización de la vida, pues como podemos observar, nuestro personaje principal presenta una gran problemática, ya que al creer que posee muchas vidas, se ve despreocupado por lo que le pase. La verdadera trama del filme se genera con la representación de la muerte, dado que es esta quien parece reclamar a nuestro personaje sobre lo que significa su vida.

     Es debido a esta presentación metafórica en cómo se presenta la muerte, que lo que ve el espectador debería de verse como una forma de relacionarse con su propia vida, pues es un tema que suscita reflexión. Pero, parece que algunos espectadores no se dan cuenta de esta invitación, ya que para ellos puede ser un tema de mero entretenimiento, de solo aventura, y de poca reflexión, porque en algunas ocasiones la reflexión puede arruinar el sentido del entretenimiento.  Es debido a esto mismo, que para las personas con las que puede ver la película, era más importante los momentos que generaban risa, que los que presentaban el problema principal, pues hablaban únicamente de los personajes que generaban estos momentos cómicos.

II.                 Textos en los que se presenta la problemática

     Como mencione anteriormente, la problemática o tema de la reflexión que presenta la película es la vida y su relación con la muerte. Y es debido a esto, que la reflexión que hago, y a la cual invito, es pensar el tema de la muerte, como haría un estoico, pues para ellos parece tener un sentido de trascendencia, ejemplo de esto lo presenta el emperador Marco Aurelio:

¿Qué es lo único que puede facilitarle su viaje en este mundo? La filosofía. Esta consiste, pues, en velar por el genio que reside en su interior, de suerte que no reciba ni afrenta ni heridas, que no se deje arrastrar por los placeres ni por los dolores (1945. p, 64).

     Este pequeño fragmento contenido en las meditaciones nos orienta sobre el juicio de la vida y la muerte. Sin embargo, este no es el único que lo hace, pues Séneca escribió gran contenido sobre la buena vida y la preparación de la muerte, dos textos que ejemplifican esto son De la brevedad de la vida y Epístolas morales de Lucilio.

III.              Reflexión

     Para terminar mi exposición, debo de proponer que se analice cada personaje de la película, pues estos contienen una visión diferente del mundo y, por tanto, una noción sobre la vida, la ética, los placeres y el bien. Y de ser posible se deben de revisar algunos de los capítulos de los textos recomendados, porque estos contienen parte de lo que expongo, y dan una mejor explicación acerca de lo que se presenta en la aventura del gato con botas.  

Referencias:

Marco Aurelio. (1945). Meditaciones, Libro II. Buenos Aires: El ateneo.  

Una paloma se posó en una rama a reflexionar sobre la existencia. (Roy Andersson)

 Ángela Tatiana Villamil Cortés 

¿Te alegra que esté bien, o solo es costumbre decirlo? ¡VUELVE! ¡DESPIERTA!

Muere lentamente

quien se transforma en esclavo del hábito,

repitiendo todos los días los mismos trayectos,

quien no cambia de marca.

(Pablo Neruda, ¿Quién muere?)

 

Desde un inicio, la película me pareció oscura por su estética, las pálidas caras, las vestimentas con colores claros y unos pocos contrastes oscuros, por otro lado, la forma en que la película está dividida, por escenarios, por historias, me pareció bastante interesante, porque es una película en forma teatral, además, sus escenas que son cómicas, pero no lo terminan siendo del todo, me hicieron cuestionar ¿Por qué algo como la muerte me causa risa? ¿Si la muerte es absurda, deja de tener sentido?

Siendo así, en los escenarios de la película vemos la muerte como tema ¿Principal? Y es por esto, que inicio este comentario con el poema “¿Quién muere?” de Pablo Neruda, porque ¿Cómo estamos entendiendo la muerte? A mi percepción, no es únicamente la ausencia de vida, ya que, en la película, podemos ver muertos en vida, llevados por el mecanismo, la insensibilidad y el interés obsesivo por las adquisiciones.

Y siendo sincera, me deja con demasiadas inquietudes, pues la realidad no está alejada de lo que presenta el filme, por ejemplo, encuentro una normalidad al preguntar “¿Cómo estás?” y que la respuesta sea un simple “Bien” en este caso, ¿Realmente queremos saber cómo está la persona? ¿Realmente es una pregunta y una respuesta sincera o un simple convencionalismo? Por otro lado, como lo dice el texto, esa aspiración de luchar por no estar tan mal es algo que, en definitiva, abunda en nuestra actualidad, porque aquello que llamamos felicidad está en lo material, pero esto no llena el vacío que domina al hombre que, en efecto, no logra estar menos peor.

La comparación que se hace en el texto con la película “Un cuento proletario de invierno” me parece adecuado, porque en esta la emancipación está presente, ese sueño por la libertad, el querer luchar de verdad por un sistema mejor, sin embargo, en “Una paloma se posó en una rama a reflexionar sobre la existencia” no notó del todo este deseo de libertad, omitiendo a nuestro personaje principal, de resto, todos están sumidos en el trabajo, el producir, el capital… Una sociedad conforme, y considero que si se está conforme, no se avanza.

Para culminar, retomo el tema central de la muerte… Sí, todos moriremos en algún momento, podemos anhelar la muerte o temerle, pero no debemos normalizarla, (desde mi punto de vista) porque la muerte tiene significado para aquellos que están vivos, el dolor o el impacto que causa la muerte de un ser querido o cercano tiene valor, lo que significa y significó la vida debe ser respetado y de algún modo conmemorado. Al final, creo que la muerte está para recordarnos que debemos vivir, porque este camino no es eterno…

 Una paloma se poso en una rama a reflexionar sobre la existencia. Análisis filospofico 

Daniel Josué Cárdenas Garzón

La película muestra un tipo de humor negro un poco fuerte, en referencia hacia la muerte, desde la primera escena en la que un hombre muere víctima de golpe por el corcho de una botella de vino, hasta la última, donde se cuestiona el pasar del tiempo. 

Tuve la oportunidad de ver la película en compañía de mi madre, cabe notar que no estuvo muy con muchas ganas de seguir una vez vio las primeras escenas. Por mi parte, analicé la película desde las gamas de colores y actitudes de los personajes, una de mis escenas favoritas fue en la que se encontraban los personajes a bordo de un barco, y se hallan con un señor muerto, sin darle muchas ganas al hecho de que esté muerto, más bien, se preocupan con qué hacer con la comida que el hombre dejó paga. Me gusta el hecho de que la vividez de los colores vaya desde la derecha, donde está la comida, hasta la izquierda donde están las personas, personas que no son relevantes en la escena.

La escena se me hace ridículamente encantadora, me recuerda mucho a un poema que alguna vez una amiga me enseñó, no he encontrado bien si el poema tiene autor o no, pero dice así:

-La GENTE MUERE y queda todo ahí, los planes a largo plazo, las tareas de casa, las deudad con el banco, las joyas, el coche nuevo que compraron para tener status.

-La GENTE MUERE si siquiera guardar la comida en el refri, todo se pudre, la ropa se queda colgada o puesta en su lugar.

-La GENTE MUERE, se disuelve toda la importancia que pensábamos que teníamos, la vida continúa, las personas superan tu ausencia y siguen sus rutinas normalmente.

-La GENTE MUERE y todos los grandes problemas que creíamos que teníamos se transforman en un inmenso vacío. Los problemas viven dentro de nosotros. Las cosas tienen la energía que ponemos en ellas y ejercen en nosotros la influencia que permitimos.

-La GENTE MUERE y el mundo sigue siendo caótico, como su nuestra presencia o ausencia no hiciera la menor diferencia. En realidad, no lo hace. Somos pequeños, pero prepotentes.

-Vivimos olvidando que la muerte siempre está al acecho.

 La escena favorita de mi madre fue la pareja enamorada que se besaba sobre la arena, con un perro de compañía, creo que le gustó más el hecho de que hubiera un animal en la pantalla, porque ella ama a los animales, que ignoró por completo la actitud de los personajes que se empezaban a tocar de a mucho.

Una escena que ella no pudo soportar, fue en la que unas personas son obligadas a entrar a un cilindro para ser cocinadas vivas. Por mi parte, esa escena me encantó, pese a la brutalidad de los hechos, me gustó mucho ver desde el punto de vista de que en todo caos, hay cierta armonía. Esas personas están sufriendo, el espectador casi se puede imaginar a esas personas tratando de correr como hámster dentro de un cilindro mientras se cocinan vivas, pero, incluso en ese sufrimiento hay armonía, las notas musicales producidas por el viento, en este caso.

La película es una crítica hacia las personas que se olvidaron de que la muerte existe, hacia las personas que viven en ese absurdo que plantea Camus, y es por lo mismo que necesitan aceptar ese absurdo y cuestionarse la muerte, lo que Camus llamaría como "pensar" y es ahí cuando las personas pensarían por primera vez.

Invitando así al espectador a "pensar" y salir una vez de ver la película con esa extraña sensación hacia la vida e irse a dormir de manera incómoda, de manera pensante.

Una paloma se posó en una rama a reflexionar sobre la existencia

 Por: Maria Alejandra Angulo Ocampo

Estrenada el 24 de octubre del 2014 en Noruega y dirigida por Roy Andersson un director de cine, productor de cine y publicista sueco enfocado en la condición humana y gran parte de su trabajo refleja sus reflexiones, en esta oportunidad con esta entrega que se considera un drama y comedia negra.

De comienzo a fin es algo lenta e incluso difícil de ver, no hay un orden preestablecido entre las escenas por eso puede ser para el espectador confuso entender y hacer relaciones de lo que va pasando. Es una película a la que hay que prestarle atención a los detalles más pequeños porque todo cumple una función que logra crear relaciones solo si se ven con cuidado, desde la paleta de colores hasta la banda sonora. Durante la película se presentan situaciones de la cotidianidad, representadas de tal manera que logra el efecto de sentirse muy ajeno a la situación, ya que, mezcla problemáticas actuales con otras no tan actuales. Se juega con los colores y las perspectivas de la moralidad. Algo particular a lo largo de la película es que hace notar que los únicos espectadores no somos nosotros como audiencia sino que dentro de las mismas situaciones hubo siempre un grupo de personas cuya función solo era junto con nosotras y nosotros observar. 

En el texto comedia, felicidad y trabajo. Hacia una dialéctica del sinsentido. de Paula Cherep se mencionan otras películas pero al hablar sobre una paloma se posó sobre una rama a reflexionar sobre la existencia enfatiza en las absurdas situaciones y como se expresa el descontento o la angustia, si bien es cierto que no hay mucha expresividad por parte del elenco, casi siempre están con una cara dura y se ven muy indiferentes a todo lo que sucede a su alrededor. Sin embargo si hay cuadros en dónde la escena habla por sí sola y es un respiro dentro de los demás, las niñas del balcón o la pareja de la playa. 

Es una película buena, no para todo el público porque seguramente aburriría a personas que encontrarán de mayor entretenimiento otro desarrollo de la historia, sin embargo, tiene varias cosas a rescatar y una de ellas es la manera en la que como espectador se puede sentir por las situaciones presentadas. En lo personal, me causó gracia que en los momentos más inesperados salían escenas de la vida cotidiana llevadas a un extremo de normalización no real, como es posible que mientras alguien muere enfrente de mí accedo a beber su cerveza porque ya está paga. Justamente es sentirse como una paloma durante una hora y cuarenta minutos.

“Una paloma se posó en una rama a reflexionar sobre la existencia"

 

Una persona se sentó a ver una película y termino reflexionando sobre el sentido de la vida.

Por: Juan Felipe Pinto  

Imagen tomada de: cuevanahd.net/pelicula/una-paloma-se-poso-en-una-rama-a-reflexionar/

Para iniciar me gustaría resaltar algunos aspectos que se hacen latentes durante la película, los cuales aunque parezcan detalles minúsculos son fundamentales para captar la intención de la misma, el primero de ellos es el tono sombrío que hace gala en todos los escenarios, una paleta de colores que de cierta forma causa una perturbación al espectador o al menos una impresión inquietante, esto en segunda medida acompañado de una incómoda falta de expresión facial y corporal por parte de los actores como si de entes sin alma se tratara, esto a su vez en muchas ocasiones lleno de actores extra que en mi opinión son una crítica que retrata la sociedad espectadora, egoísta, morbosa ante las desgracias ajenas y encerrada en sus núcleos familiares pero indiferente ante su comunidad. Él último aspecto que considero relevante a nivel metodológico que está presente en cada una de las escenas es el punto fijo de la cámara en todo momento, esto en mi opinión hace gala del título de la película: “Una Paloma se posó en una rama a reflexionar sobre la existencia” pues considero que es una metáfora que invita al espectador a ser aquella “paloma” sentada sobre un asiento que por medio de esta película pueda reflexionar sobre la vida.

Para continuar, las reflexiones que podemos tener son bastantes y se presta para una interpretación subjetiva pues cuestiones como el sin sentido de la vida humana, hasta el ánimo para darle sentido a la misma son contrastes con los que podemos sentirnos familiarizados al observar esta película, depende del espectador. Sin embargo, podemos notar una critica particular y muy presente durante la película y es aquella al capitalismo, como ante la banalidad de la muerte se nos muestra como los seres humanos somos un medio para un fin, el dinero, en consecuencia encontramos escenas como el aferrarte en tu lecho de muerte a tus pertenecías, quizá esta sea una de las muestras más evidentes del sin sentido que más refleja el dominio de nuestra subjetividad por parte del sistema económico, pues parece que pretende vender el sentido de la vida por medio del consumo de todo tipo de mercancías. Tanto anhelamos mencionado sentido, pero tal parece que no lo entendemos al ser nosotros sensiblemente enajenados por medio de este capitalismo, el cual desdeña la espiritualidad, la introspección y hasta las relaciones interpersonales que en gran medida se han convertido en un modelo de consumo más, lleno de pretensiones entorno al dinero.

En conclusión, la película es un reflejo abstracto de la sociedad pero claro en lo que desea transmitir, pues intenta desde una perspectiva inquietante retratar los vicios y carencias de un mundo que se henchida de progreso y demanda capital, aquello sin el menor ápice de empatía por el ser humano que poco a poco solo se convierte bajo este sistema económico, en un simple material humano y considero que es ahí es donde se apodera de nuestro sentido de vivir y lo convierte en un sin sentido, pues tal parece que vivimos en una sociedad sin alma que preocupantemente la remplazo por el dinero.

Una paloma se poso en una rama a reflexionar sobre la existencia. Lo especial y efímero

Por: Daniela Celada
 

Al finalizar la película, lo primero que sentí antes de hablar con las personas con las que vi la película fue confusión, tal vez un cumulo de sentimientos de agrado, pero al igual de desconcierto respecto a lo que se quería representar con la película. A las personas con las que vi la película, mi mamá y mi hermana, no les agrado del todo. Mi hermana se durmió casi a los veinte minutos, que al final argumentó fue por sentir que la película estaba poco hilada entre las escenas y no la logro enganchar. Por otro lado, mi mamá intento ver toda la película, aunque en ocasiones se levantaba o veía el celular.

Cuando finalizo la película y estuvimos las tres, le conté a mi hermana sobre el desarrollo de la película y le mostré algunas escenas que me llamaron mucho la atención. Las tres compartimos la sensación de absurdo al no mostrar una secuencia clara de escenas hiladas por acontecimientos específicos. Mi hermana comento la falta de expresividad y desconexión con el dialogo, con el sentimiento. Con respecto a una de las escenas donde un vendedor menciona sentirse amable, ella interpreta y se identifica de alguna forma ya que menciona, se les obliga a ser condescendientes y no poder sentir o tener un poco de espacio y por el contrario, fingir una actitud de bienestar, así no se tenga, o de felicidad ,como una obligación de ser buena persona.

Mi mamá, por otro lado, resaltó el sentirse conmovida por la relación de los personajes que mantienen varias escenas durante la película, puesto que se ve un contraste con los demás personajes que no parecen tener ningún tipo de conexión, al ir “cada quien en su mundo”. También añadió que los diálogos son poco sentidos como "me alegra que estés bien" al no reflejar realmente lo que están diciendo. De igual modo, la llegada inesperada de la muerte dentro de los quehaceres cotidianos. Finalmente comentó que una escena le llamó la atención al sentir desinterés económico por dar licor a cambio de besos y por el contrario, dar mayor importancia al momento como tal de ofrecer lo que tiene y no la a remuneración económica ni a la vergüenza social que se podría dar.   

Desde mi punto de vista y atribuyéndolo un poco al texto, la película intenta representar lo absurdo de la existencia y la importancia mercantil en ella; como el segundo encuentro con la muerte, la no relevancia y la desconexión entre personas, la ilusión del tiempo entre la monotonía; "hoy se siente como un jueves", la muerte como un evento insignificante más. Aunque, por otro lado, me agradaron mucho escenas especificas donde se sentía tranquilidad y hasta momentos de felicidad, como una señora en el parque con su bebe o dos niñas haciendo bombas de jabón en el balcón, entre otras. De alguna forma representan los pequeños momentos especiales dentro de la monotonía con aquellas escenas al azar dentro de tal absurdo. 

"Una paloma se poso en una rama a reflexionar" De la desolación al sentido esperanzador

 Por: Francisco Ferrin 

Imagen tomada de fotograma.es

La película se nos presenta como una suerte de mesclas de varios sucesos de la cotidianidad, unas cotidianidades que se mezclan entre experiencias de esperanza, desolación, alegría, tristeza, frustración, que demuestran las diversas afectaciones a las que como seres humanos estamos propensos en las diversas vivencias que experimentamos, a primera vista pareciera que no tuviese orden, y fueran sola la representación de escenas que distan unas de ellas, hasta algunas relacionando sucesos pasados con aconteceres del presente, utilizando diversos escenarios y realidades, para cada vez adéntranos en un mundo de lo abstracto y para algunos sin sentido orgánico (orden), pero cuando dentro de estas escenas diversas, se hila de manera paralela una historia de expertos en el arte del entretenimiento como ellos se presentan , unas escenas que parecían distantes entre si, entran a tener un poco de orden y sentido, y se empiezan a conectar con esta historia que sirve como eje transversal del film. 

En el texto de Paula García Cherep, sobre "Comedia, felicidad y trabajo. Hacia una dialéctica del sentido; la relación entre escenas se nos clarifica y nos muestra como estas escenas un poco desordenadas y desligadas entre si, son representaciones de los vacíos y sinsentidos que el capitalismo deja en las practicas vivenciales de las sociedades, siendo esta una critica a este sistema y a los sin sentidos que implanta en las sociedades, pero también mostrándonos como estas practicas son contrariadas por otras, que remando contracorriente generan esperanza y muestran una cara diferente a la realidad que se implanta por medio del capitalismo; en el mar del sin sentido y el paso del tiempo, como un modus operandi dentro de nuestras sociedades, el poder generar oasis de esperanza y de practicas contrarias nos van a permitir tener un abanico de posibilidades, que generen no solo nuevas visiones antes las practicas reglamentarias de la sociedad, sino también nuevas posibilidades de cambio y esperanza de diversificación, en donde las practicas que desean arrasan con los sentires diversos de la vida, no pasen con el tiempo haciendo estragos, sino que se enfrenten a cambios posibles y a esperanzas generadoras de transformación. 

Ya para terminar, es importante mencionar que las artes escénicas, como todas las artes son un espacio dialógico de expresiones de saberes, en donde desde las diversas formas que esta nos presenta, nos posibilita diferentes miradas de una misma cosa, con expectativas diferentes y sensaciones diversas, que generan en el espectador mas allá de un entendimiento de lo abstracto u ordenado, adentrarse a los diferentes mensajes que esta en por medio de varias practicas nos puede presentar, este film nos muestra como desde la abstracción también se generan conexiones que dialogan entre ellas para darnos un mensaje, que aunque al principio algo confuso, nos llama a una contemplación para adentrarnos al mundo que nos presenta y entrar a dialogar entre las diversas posibilidades que nos pueden surgir dentro de la misma; el poder generar esperanza dentro de los espacios normativos y segados de la sociedad, siempre nos va demostrar un trozo de la libertad que como seres humanos experimentamos y no nos podemos dejar quitar. 

"Una paloma se posó en una rama a reflexionar sobre la existencia" Del vacío al sinsentido.

 Por: Carolina Suárez.

Este post lo debo iniciar contando que tuve una serie de impedimentos para hacer el análisis de la película debido a la dificultad de encontrar espectadores diferentes a mi. Lo primero fue encontrar personas que tuvieran la disponibilidad de hacerlo y me pudieran compartir su experiencia. Lo siguiente está relacionado con la técnica que usa Andersson para desarrollar la historia pues, al saber que se destaca por la carencia de diálogos, genera  desinterés. A ello se suma que tiene una duración relativamente larga en comparación con otras que tienen más desarrollo de personaje e interacción audiovisual.

Resuelta la dificultad, y habiendo encontrado a alguien que contara con el interés de ver una producción con esas características técnicas, surge un nuevo obstáculo: verla sincrónicamente, es por eso que, la percepción que aquí se manifiesta  corresponde de manera textual a cómo lo escribió la persona que pudo ver la película y sentirla:

“La película me hace pensar en varios momentos de mi vida en los que el cansancio aparece en todas partes. Lo siento y lo veo en mi realidad todo el tiempo. La paleta de colores me reafirma que la intención de la película en sí misma es mostrar la abrumadora levedad del ser. Buscamos incansablemente saciar nuestra vida de distintas formas: el amor, las drogas, el arte, la filosofía,  la música y en general el consumo, consumo que nos hace  sentir la vida y así darle un significado a nuestra existencia. Necesitamos de algo más porque con nuestra sola y miserable vida no es suficiente, queremos más, queremos vivir más, apegarnos y aferrarnos a la materia, a la banalidad, a la superficie. Esta superficie nos sostiene, nos conduce, nos hace flotar en el mar de la penumbra.

Y así, a lo largo de nuestra vida, pasan los cuerpos, los besos, los orgasmos, pasan las lágrimas, pasan los gobiernos y las bacterias. Pasa todo, y nuestro cuerpo empieza a ser diferente, sentirse diferente, cada día más cansado, cada día más marchito. Aquí, recordamos la infancia, la inocencia, el disfrute momentáneo que parece eterno, luego llega la adolescencia y sentimos que el mundo se viene encima nuestro, que la vida nos pesa y cuesta. Esta sensación no desaparece, pero ya no somos adolescentes, entramos en la adultez y el mundo no está encima, el mundo es. El mundo sigue y nosotros también, ni nuestro cuerpo, ni el tiempo, ni el mundo se detiene. En cualquiera de estas etapas, la muerte siempre tuvo posibilidad. La muerte siempre está, la muerte necesita de la vida. Vida que no se detiene hasta su fin.”

En cuanto leí la reseña que hace García con respecto a las cuatro películas que expone, me llamó particularmente la atención lo bien que se detiene en mirar la configuración social establecida en el momento de producción del film, en referencia a la crisis económica del 2008. Prmite ver cómo el arte es una expresión del contexto de quién desarrolla la obra. Por ejemplo, en términos del enfoque sobre la importancia del dinero, del consumo y la trivialidad que se le otorga al sentido de la vida. Resulta interesante la relación que expresa entre las cuatro producciones en las que revela el tono satírico con el que se describe una realidad en proceso de caducidad bajo un sistema económico que tiene como base el egoísmo y el consumo. Al cuel describe García, como un sistema creado por seres finitos, que parece no perecer al cual se ha intentado

Imagen tomada de: Filmaffinity

derrotar sin mayor victoria, dejando la sensación de que una de sus victorias es mantenerse a pesar de las veces que se han propuesto acabarlo; llevando a la desesperanza o al habituarse a este mundo, develando que para las dos alternativas la vida es carente de sentido, es banal. Encuentra una suerte de aburrimiento cotidiano ante el hecho de vivir, muestra la simplicidad del sabor de la vida dejando como alternativas la muerte o el nihilismo mientras se respira en esta superficie.

A pesar de que el apartado del texto en el cual se refiere a la película de Andersson se llama La Felicidad como Mercancía, es difícil percibir ese tono de felicidad, uno de los momentos en los que se logra evidenciar está emoción o mínimamente una alegría genuina es cuando el anciano recuerda la época de los 60’s de allí que conociera ese restaurante, pudiera con vivir con personas que se le ven más cercanas y la vida tiene un sabor más agradable.

Mis sensaciones con la película estuvieron asociadas especialmente en las expresiones del cuerpo. Recuerdo cómo había una rigidez en los movimientos, siempre fríos e inexpresivos, palabras cortas yv los momentos más emotivos corresponden íntimamente con manifestaciones de desagrado como el enojo, la tristeza -cuando el vendedor llora en la taberna-, la angustia. Ver cómo la maestra de baile abordaba el cuerpo de su estudiante y este se sentía incómodo. Y pese a que no es una producción rica en lenguaje hablado tiene unas expresiones estéticas y técnicas que manifiestan justo lo que quiere decir, la monotonía de vivir, la insipidez de ser, el apego a cosas superficiales como la máscara del señor que no la pudo pagar y su esposa que no la quiere perder; en ese mismo cuadro se puede ver que en ese mismo lugar habían objetos relacionados con el cuerpo como un busto o varias máscaras adicionales.

Para cerrar, el texto, la película, la experiencia recogida por medio del escrito de mi amiga y la vivencia propia dejan la sensación de vacuidad en un mundo rodeado profundamente por la desesperanza en un primer momento porque este estado de cosas no proporciona garantías de una vida bien vivible y en un segundo acto porque al presentarse esta sensación de rechazo buscamos alternativas que ya no logran satisfacer nuestras creencias o sentires, ni siquiera nuestra experiencia más próxima y al parecer lo que queda es vivirla en tanto se puede y cómo se puede teniendo como destino final la muerte de cada individuo y no del sistema causante de las insatisfacciones. Un sistema que no caduca, pero nos hace caducar lentamente a modo de bucle pues no se haya forma de salir de este.